Jeudi 19 janv. 2023
10h30 > 12h
Amphithéâtre la Manufacture
Aix-en-Provence

L’exposition d’art numérique et de NFT au Musée Granet :
Un projet pilote qui expérimente les liens entre une institution publique et le web 3.0

 Curatrice pour la plateforme d’art numérique objkt.com.

Pierre Pauze est un vidéaste, cinéaste et plasticien français. Né en 1990, il vit et travaille à Paris.
Diplômé du Fresnoy et des Beaux-Arts de Paris, Pierre Pauze a été révélé auprès du public en 2016 à l’occasion de la 2e édition de l’exposition internationale d’étudiants en école d’art présentée par Artagon à Paris. Depuis, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en France et dans le monde, comme à La Villette, au Musée Es Baluard de Palma à Majorque ou au K Museum of Contemporary Art de Séoul, ou à la biennale de Pekin. Les films de Pierre Pauze ont été diffusés dans de nombreux festivals et à la télévision, en France et à l’étranger. Il a reçu plusieurs prix, comme le Prix Agnès b. en 2016 et le Prix ADAGP Révélation art numérique et art vidéo en 2019. En 2020, il est résident de la Cité internationale des arts à Paris ainsi que de POUSH Manifesto. Il a participé à la 12e Biennale de Taipei avec MASS, projet de film et d’installation réalisé en collaboration avec la jeune artiste et cinéaste June Balthazard. L’oeuvre à deja été montré à Luma Arles lors d’une projection/talk avec Hans Ulrich Obrist. Elle est présentée en ce moment au Centre Pompidou Metz ainsi qu’à la Biennale de Chengdu à en Chine.

Pamela Grimaud, conservateur du patrimoine, responsable du service Conservation et Recherche du musée Granet, Aix-en-Provence. Diplômée de Paris-IV Sorbonne en lettres classiques, de l’École du Louvre en histoire de l’art et muséologie, et de l’Institut National du Patrimoine, elle est conservateur territorial du patrimoine spécialité Musées à Aix-en-Provence au musée Granet depuis 2019, responsable du service Conservation et Recherche. Historienne de la sculpture antique, elle s’intéresse particulièrement aux ponts entre Antiquité et XXe siècle. Dans le cadre de ses fonctions au musée Granet, elle a participé à la programmation et au commissariat de nombreuses expositions consacrées à l’art ancien, moderne et contemporain.

Directrice de projet au Service du Numérique du Ministère de la Culture depuis 2021, Anne-Laure Janeczek s’intéresse également  aux questions liées à l’impact du numérique sur les politiques culturelles. Ses sujets de prédilections sont la billetterie, l’évaluation de la maturité numérique et le WEB3. Depuis le printemps 2022, Anne Laure Janeczek anime le groupe de travail NFT du ministère de la Culture et accompagne dans ce cadre les institutions dans leurs projets ou leurs réflexions portant sur les NFT. 

Forte de 15 ans d’expérience dans la gestion de projet culturel, d’abord responsable d’un espace d’exposition le Point Éphémère à Paris, Delphine Ract Madoux a crée une galerie en 2013 spécialisée dans le dessin contemporain. Enrichie par cette expérience d’acquisition et de vente sur le premier marché, l’activité de DRM Art et Patrimoine se spécialise dans la valorisation de patrimoine culturel en participant au développement de la rénovation de sites classés ou inscrits aux monuments historiques pour des privés ou des institutions publiques. De janvier 2021 à juillet 2022 , l’agence DRM écrit le PSC (projet scientifique et culturel) de la Bastide du Jas de Bouffan, maison de Paul Cezanne entre 1859 à 1899 à Aix-en-Provence. Depuis 2022, Delphine Ract Madoux développe des projets d’expositions dans le champs de l’art contemporain et en particulier de l’art numérique.

Vendredi 20 janv. 2023
10h30 > 11h30
Amphithéâtre la Manufacture
Aix-en-Provence

Albertine Meunier est une artiste numérique.

Elle pratique l’art dit numérique depuis 1998, et est particulièrement encline à utiliser Internet comme matière première. Elle explore la poésie et l’esthétique essentielles des réseaux.

Elle collectionne des oeuvres NFTs depuis 2020 et travaille, en tant que curatrice, avec L’Avant Galerie à Paris et avec 0x4rt.

Adrien Cornelissen a développé au fil de ses expériences une expertise sur les problématiques liées aux projets innovants, notamment dans la création numérique. Sa collaboration avec une dizaine de magazines français – NECTART, MCD, Usbek & Rica, Revue AS… – et plusieurs structures culturelles a donné lieu à plus d’une centaine de publications depuis 2015. Il accompagne par ailleurs des structures créatives dans leur développement et intervient dans quelques établissements d’enseignement supérieur.

Artpoint (https://www.artpoint.xyz) est une startup impliquée dans la promotion de l’art digital depuis 2019.

Artpoint a pour mission de soutenir les meilleurs artistes numériques du monde entier et de démocratiser l’accès à l’art en le rendant accessible dans d’autres lieux que des musées. Ceci par le biais d’une solution unique de streaming d’art digital, accessible sur écran dans des lieux de vie tels que des hôtels, des espaces commerciaux ou des bureaux d’entreprise et d’une solution de vente d’œuvres en NFTs. 

Artpoint fédère une communauté de plus de 300 artistes numériques internationaux et a constitué un catalogue de plus de 4 000 œuvres d’art. Ces œuvres vont de la 3D à l’art génératif en passant par la photogrammétrie et sont diffusables directement sur écran dans des lieux qui souhaitent enrichir l’expérience du public et ré-enchanter leurs espaces.

Lucie-Eléonore Riveron dirige la NFT Factory, un lieu unique dédié aux NFT en plein cœur de Paris. Faire connaître les NFT au grand public, rassembler les acteurs et actrices du Web3, et construire l’écosystème qui permettra à la France de se hisser parmi les leaders mondiaux du domaine sont parmi les objectifs de cette initiative inédite.

Elle a auparavant co-fondé et dirigé la maison de vente aux enchères FauveParis, qu’elle a engagé dans la révolution NFT en acceptant les crypto-monnaies pour tout type d’œuvres d’art, et en organisant la première vente aux enchères physique de NFT en France.

Jeudi 19 janv. 2023
14h > 16h45

et Vendredi 20 janv. 2023

15h > 16h30

Amphithéâtre la Manufacture
Aix-en-Provence

 Travaillant en sculpture et en nouveaux médias, aenl (alias Anna Eyler et Nicolas Lapointe) entretient une pratique artistique collaborative basée sur une investigation des environnements web et des mondes associés aux jeux vidéo et aux technologies immersives. Ses récentes expositions collectives comprennent le Sight & Sound Festival à Eastern Bloc (2021), MUTEK Montréal (2021), et ZOOM OUT / Sortir de ZOOM à Sporobole (2022). Le duo est basé à Montréal, Canada.

Werktank est une plateforme de production d’art médiatique. Notre mission principale est la réalisation et la distribution d’installations artistiques qui étudient la relation entre technologie et perception.

Werktank fonctionne comme un outil de travail pour l’artiste et met son expertise à la disposition des artistes. Nous accompagnons l’artiste à travers toutes les phases du processus de création. 

Werktank est une équipe de 4 personnes : Kurt d’Haeseleer (directeur artistique), Anouk Focquier (management), Leen Van Ende (productieverantwoordelijke) & Ief Spincemaille (technisch coordinator).

Artist who works in theaters, museums and VR. He was artist in residency at National Theater & Concert Hall, Taipei in 2017. He was awarded the Asian Cultural Council Fellowship Award and participated in a residency program in New York City in 2018. He was artist in residence at Cité internationale des arts in Paris in 2019.

Since his theatre directing debut in 1997, Baboo has directed some thirty productions, two of which have earned him the awards for Taishin Arts Awards for Annual Top 10 Performing Arts. Three of his plays were invited to premiere in Festival Off d’Avignon and have toured several major cities in France since then.

His VR work Chroma: A Derek Jarman Project was shortlisted for Taiwan’s Taishin Arts Award earlier this year. The nominating committee speaks of it as “a pioneering work of sound technology, which reconstructs the sexual identity of Jarman, and of his obsession with the color blue; it also provides the post-human with a possible solution to the predicament in the face of the pandemic.” 

Baboo has been frequently invited to international exchange programs and performances, and as a prolific young director, he continues to maintain high visibility, receiving much attention from various fields. His work has been invited to perform in New York, Berlin, Paris, Copenhagen, Avignon and Seoul.

From 2004 to 2020, Cécile Huang served as a cultural attaché of the Taiwan Cultural Center in Paris of the Ministry of Culture, R.O.C. She was in charge of organizing art and cultural projects for Taiwanese artists, groups, and exhibition/performance art institutions in collaboration with international and European institutions, in addition to producing and planning exhibition and performance projects. These projects covered the fields of contemporary visual arts, technology arts, cinema, craft design, and cross-disciplinary music/theatre performance and were achieved at major international art festivals and museums/institutions throughout Europe, such as Pompidou Center, Palais de Tokyo, Jeu de Paume, Museum of Decorative Arts,Cinémathèque Française, Musée du quai Branly – Jacques Chirac, and Grame – Générateur de ressources et d’activités musicales exploratoires in France, Rijksmuseum Amsterdam and Eye Filmmuseum in the Netherland, Royal Cinematheque and Digital Art Festival in Belgium, Ars Electronica Festival (Linz) and OK Center for Contemporary Art in Austria, and Röhsska Museum, Gothenburg.

She serves as head Taiwan Sound Lab/Technology media platform in C-LAB and continues to realize projects, prepare productions, and conduct talent training in collaboration with IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique). She was the planner the biennial C-LAB Sound Festival:2021 Diversonics.for its five programs- Contemporary Selection, Film Concerts, Sounds of Contemporary Dance, Installations and Performance, and Academy at the 2021 C-LAB Sound Festival: Diversonics, where artists from different countries were matched for experimenting with, exhibiting, and performing new works between 0 and 1 through a cross-disciplinary and cross-institutional exploration of the diverse aspects of contemporary music and sound art.

Les œuvres de Claire Williams s’inscrivent à la croisée des univers sonores, électroniques et des pratiques artisanales. Ses œuvres cherchent à capter les multiples variations et activités de notre spectre électromagnétique par des dispositifs et installations qui rendent tangibles les mouvements électromagnétiques de notre magnétosphère. Elle travaille actuellement sur l’exploration de l’éther, explorant ainsi notre relation au monde de l’invisible en réactivant des pistes abandonnées de chercheuse.re.s de la moitié du 19e siècle.

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Né en 1978, Adelin Schweitzer vit et travaille à Marseille. Diplômé en 2004 de l’École Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence, il poursuit depuis une carrière internationale d’artiste polymorphe à la croisée des chemins entre performances immersives, expérimentations audiovisuelles et nouvelles technologies. Du Rimini Protokoll en passant par Tinguely, Marc Pauline du S.R.L ou encore Stelarc, Adelin s’inscrit dans une filiation artistique d’avant-garde. Puisant dans les imaginaires de la science-fiction et des sciences cognitives, l’artiste trace au fil du temps les contours d’un univers prospectif singulier.

« Le travail de Felix Luque Sánchez, en collaboration avec Iñigo Bilbao, Damien Gernay et Vincent Evrard, interroge la manière de concevoir notre rapport à la technologie ainsi que les enjeux contemporains du développement de l’intelligence artificielle et de l’automatisation. A partir de l’utilisation combinée de systèmes de représentations électroniques et digitales, de sculptures mécatroniques et de processus algorithmiques, les procédés narratifs sur lesquels reposent ses installations entremêlent fiction et réalité et préfigurent les scénarios possibles d’un futur proche, en nous confrontant aux peurs et aux attentes que les machines provoquent en nous ».

Le travail de Pierce Warnecke, à la frontière de la musique expérimentale, des arts numériques et de l’art vidéo, est fortement influencé par l’observation de l’effet du temps sur la matière : modification, détérioration et disparition. Pour explorer ces observations, il aime à imaginer une problématique inexistante, une hypothèse irréelle ou une science fictive comme base de recherche artistique. Cette fausse piste imaginée prend ensuite forme par un processus de collection, filtrage et modification de phénomènes existants (objets, données, enregistrements) et se poursuit avec une réadaptation de cette matière récupérée en un contexte parallèle où symboles, sens signifiés et connexions culturelles deviennent des fantômes résiduels. Fils rouges de ses installations, la narration, omniprésente mais non-explicite et l’utilisation d’objets et matériaux bruts, dialoguent avec une technologie ainsi rendue à son rang d’outil.

La pratique de Katherine s’intéresse à la rencontre entre le naturel et le technologique et plus récemment à l’agentivité des êtres vivants non-humains ; que serait le monde, l’art, s’ils étaient créés avec le vivant non-humain? Prenant souvent comme point de départ la scanographie de spécimens naturels, ces nouvelles « semences » sont plantées dans différents matériaux, explorant ainsi la fluidité des images dans des cycles de métamorphose entre des « sols » physiques et numériques. Katherine a obtenu une maîtrise en beaux-arts à la Central Saint Martins de Londres, Royaume-Uni, et un baccalauréat en médias interactifs de l’UQAM. Elle vit et travaille à Montréal. En 2022, elle fait partie de la liste longue du prix Sobey pour l’art contemporain au Canada.

Curator at KONTEJNER and an independent editor, writer, and translator. She participated in various research, curatorial and publishing projects (14^th Venice Architecture Biennial, Female Design History in Croatia 1930-1980: Context, Production, Influences, Triennale di Milano 2022 etc.). Ana worked at the Museum of Contemporary Art Zagreb on curatorial and archiving projects, and at Oris architectural magazine where she was an editor of the magazine and other publications for several years.

Curatrice spécialisée en création, production et diffusion des expositions et événements d’art contemporain et d’art numérique. Directrice de production d’ISEA2023, symposium international de la création numérique, événement majeur de la scène mondiale dont la production exécutive est assurée par Le Cube. Elle collabore régulièrement avec WRO – International Media Art Biennale où elle programme des expositions, performances et conférences. Vice-présidente du Collectif MU, structure qui est à l’origine de la Station – Gare des Mines. Responsable de la programmation arts numériques à Watermans Art Centre à Londres.  Programmatrice en arts visuels, numériques et sonores à Mains d’Oeuvres. Vit et travaille à Paris.

Le travail de Pierre Coric (1994, Liège, Belgique) est un tissage de différentes pratiques techniques et technologiques. Navigation, programmation informatique et fabrication d’objets textiles sont les composantes d’installations éphémères et de performances qui, révélant par éclats un quotidien décalé, nous font réenvisager nos perceptions du monde.

Pierre Pauze est un vidéaste, cinéaste et plasticien français. Né en 1990, il vit et travaille à Paris.

Diplômé du Fresnoy et des Beaux-Arts de Paris, Pierre Pauze a été révélé auprès du public en 2016 à l’occasion de la 2e édition de l’exposition internationale d’étudiants en école d’art présentée par Artagon à Paris. Depuis, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en France et dans le monde, comme à La Villette, au Musée Es Baluard de Palma à Majorque ou au K Museum of Contemporary Art de Séoul, ou à la biennale de Pekin.

Les films de Pierre Pauze ont été diffusés dans de nombreux festivals et à la télévision, en France et à l’étranger. Il a reçu plusieurs prix, comme le Prix Agnès b. en 2016 et le Prix ADAGP Révélation art numérique et art vidéo en 2019. En 2020, il est résident de la Cité internationale des arts à Paris ainsi que de POUSH Manifesto. Il a participé à la 12e Biennale de Taipei avec MASS, projet de film et d’installation réalisé en collaboration avec la jeune artiste et cinéaste June Balthazard. L’oeuvre à deja été montré à Luma Arles lors d’une projection/talk avec Hans Ulrich Obrist. Elle est présentée en ce moment au Centre Pompidou Metz ainsi qu’à la Biennale de Chengdu à en Chine.

Founded by Nicolas Wierinck and Alex Czetwertynski, Parallel connects contemporary art practices with Web3 technologies. By combining conceptual explorations with bespoke tools we bring unparalleled art projects to life within sustainable blockchain ecosystems. We advise, consult, commission and curate.

Parallel develops a series of unique collaborations with contemporary artists, architects, fashion designers, film makers and musicians. Cutting through the noise in the NFT space, our project will favor projects with strong ideation and impact, and will be presented with context, historicity and integrity. The goals are never to create hyper digestible aesthetic snacks, but rather explore the blockchain as a medium, a support, a canvas and an interlocutor.

In our mind the value of art is not just in its availability and price, but in its context, its story, the audience it relates to, the history it comes from and the vectors it traces into the future. Curation is not just gatekeeping, it is also selection, presentation, grouping. We are not a platform that allows anyone to show anything, we propose to present thoughtful exhibitions. Artists will never be presented in a random fashion.

Parallel proposes also « Terms of Service » a podcast about the concepts behind the web3 field, unpacked for the arts and culture industries. Web3 has been served to us cloaked in buzzwords and hype, often hiding the real intentions and goals of those who push the field forward.

www.stephanieroland.be

Stéphanie Roland est une artiste visuelle et réalisatrice belgo-micronésienne.

Elle réalise des films et des installations qui explorent, entre le documentaire et l’imaginaire, les structures invisibles du monde occidental, les larges échelles du temps et les hyperobjets. 

Elle puise son inspiration dans des champs variés, allant de écologie à la politique, en passant par la géologie et le cosmos.

Après avoir été diplômée de La Cambre et avoir suivi la classe de Hito Steyerl à l’UDK Berlin, elle a effectué un cursus au Fresnoy – Studio National. Son travail est régulièrement présenté au niveau international, ses projets ont été inclus dans des expositions d’institutions majeures parmi lesquelles le musée du Louvre, le musée Benaki, le Botanique, la Biennale internationale d’art de Kampala et le Wiels. Breda Photo, Belfast Photo festival, Manifesto, Encontros da Imagem, BIP Liège, MOPLA et Unseen font partie des festivals dédiés à la photographie auxquels elle a participé. En 2017, elle est sélectionnée dans l’exposition collective du Pavillon de l’Antarctique pour la 57e Biennale de Venise.

Ses films ont été projetés dans des festivals internationaux tels que Visions du Réel, FID Marseille, ZINEBI, FEST New Directors / New Films, les Rencontres Internationales Paris / Berlin, entre autres. Son deuxième court métrage, Podesta Island, a été présenté en première mondiale au FID Marseille, où il a remporté le prix Alice Guy. s, son dernier film, a remporté le prix TËNK au festival Visions du Réel 2022.

Artist who works in theaters, museums and VR. He was artist in residency at National Theater & Concert Hall, Taipei in 2017. He was awarded the Asian Cultural Council Fellowship Award and participated in a residency program in New York City in 2018. He was artist in residence at Cité internationale des arts in Paris in 2019.

Since his theatre directing debut in 1997, Baboo has directed some thirty productions, two of which have earned him the awards for Taishin Arts Awards for Annual Top 10 Performing Arts. Three of his plays were invited to premiere in Festival Off d’Avignon and have toured several major cities in France since then.

His VR work Chroma: A Derek Jarman Project was shortlisted for Taiwan’s Taishin Arts Award earlier this year. The nominating committee speaks of it as “a pioneering work of sound technology, which reconstructs the sexual identity of Jarman, and of his obsession with the color blue; it also provides the post-human with a possible solution to the predicament in the face of the pandemic.” 

Baboo has been frequently invited to international exchange programs and performances, and as a prolific young director, he continues to maintain high visibility, receiving much attention from various fields. His work has been invited to perform in New York, Berlin, Paris, Copenhagen, Avignon and Seoul.

A choreographer, new media artist and the founder of YiLab.  

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Combining the concepts and forms of new media and performing arts, she attempts to rethink the possibilities of performing arts from the perspective of new media, extending the controversy and reflection of contemporary art in the face of the impact of digital technology. She has actively interacted and cooperated with local and international art communities through workshops, seminars, talks and performances. She is the artist-in-residence in the National Theater & Concert Hall in Taiwan 2017, Arts@CERN / European Organization for Nuclear Research, and EMPAC / Experimental Media and Performing Arts Center, Rensselaer Polytechnic Institute, Troy, NY. As one of Taiwan’s iconic figures in this field, SU received the Jury’s Special Award in the 9th Taishin Arts Award and Alternative Design Gold Award in the 2017 World Stage Design Award. In 2021, Wen-Chi Su’s collaboration with Swiss skincare house La Prairie was exclusively presented during Art Basel Miami Beach

In Yi’s cross-disciplinary artistic practice, he aims to explore issues including human desire, existence, data, environment, politics, economy, and society through the observation and comparison of tangible substance and virtual consciousness. Chen is accustomed to reassemble concepts, media, issues, and site-specific contexts in a set environment. With such a basis, he adopts philosophical dialectic and artistic language in his practice.  

Chen Yi graduated from Taipei National University of Arts. He received the top prize of the “2006 Taipei Arts Award”. In 2010, Yi founded the artist collective LuxuryLogico when he digressed from his personal practice to participate in collaborative creation. LuxuryLogico based on the concept of “hybrid”, inspired by natural environment, tackling thoughts and ideas that filled the spectacles of contemporary society, integrating modern technology and cultivation of humanities, representing their ideas via “music,” “visuality,” “installation,” and “document,” their works of fantasies manifest in various forms and genres, including drama, movies, dance, architecture, music and social behavior. Group exhibitions include in Taiwan Biennial 2012; Asian Art Biennial 2013; Asia Triennial Manchester 2014; Thailand Biennale 2018; Echigo Tsumari Art Triennale 2022.

Employing the forms of sculpture, painting and projection, Yi-Fan Li transformed his work into a fantastic narrative object lying fragmentary in the exhibition venue, a work bearing more than a passing resemblance to the detritus of bitter struggles. By observing these shattered remnants, the viewers may have a glimpse of the psychedelic space-time through which the artist has travelled; to wit, the emergence and disillusionment of desires.

Li formulated a meta-narrative concept by skillfully applying technological media such as projection mapping, making his work seemingly hesitate to move across the threshold of narratives and ergo mired in a state of continuing preparation. Such “preparation” was rife with the frolic, wrestling and torture between the artist and the media he used. It was not until either party collapses that the work rose from the decaying corpse and then the narratives unfolded quietly. In this sense, what we see in Li’s work is not simply the narrative flow but also the ambiguous dimension acquired from the entanglements between his life stories and the media he adopted. In this dimension, time stops elapsing, Mercury is in retrograde motion, and all spoken words make no sense because they are blended with one another.

Jeroen Uyttendaele is an artist working mostly with sound in relation to light, space, time and media. This translates into development of audio-visual instruments, installations ore sound compositions. His works often investigate basic properties of electronic media such as electricity, metals, conductive materials as the main tools for expression. 

He is co-founder of iiinitiative, an artist run platform specialised in inventing new instruments and presentation formats that engage with the four dimensions of image, sound, space and the body.

His works and performances has been shown at several international events and venues such as International Light Art Museum (DE),  Ciduad Emergente (AR), Transmediale festival (DE), Oddstream festival (NL),  Rewire (NL), Les Atelier Claus (BE), Q-o2 (BE), Todays Art Festival (JP),  Ciduad Emergente (AR), Transmediale festival (DE), Oddstream festival (DE),  Rewire (NL), STEIM (NL),  STUK (BE),  Artefact (BE), Le bon Acceuill (FR), E-puls(NL).

Justine Emard, née en 1987, explore les nouvelles relations qui s’instaurent entre nos existences et la technologie. En associant différentes technologies de l’image, elle situe son travail dans un flux alliant la robotique, les neurosciences, la vie organique et l’intelligence artificielle. En 2020, elle est en résidence au ZKM, Centre d’Art et des Médias de Karlsruhe, et elle est lauréate de la commande nationale photographique “IMAGE 3.0” du  CNAP en partenariat avec le Jeu de Paume, à Paris. En 2022, elle est en résidence à l’Observatoire de l’Espace, laboratoire culturel du CNES et artiste-professeure invitée au Fresnoy, Studio national des arts contemporains.studio@justineemard.com / www.justineemard.com

Oli Sorenson est né à Los Angeles, il a établi un profil international à partir de Londres, où il a contribué à plusieurs évènements à l’Institute of Contemporary Art (2003-06), à Tate Britain (2006), au British Film Institute (2008-10), ainsi qu’aux festivals ZKM (Karlsruhe, 2002), ISEA (Helsinki, 2004), Mapping (Genève, 2009) et Sonica (Ljubljana, 2012). Depuis qu’il s’est installé à Montréal en 2010, Sorenson a diffusé son travail à Power Plant (Toronto, 2014), FILE (Sao Paulo, 2015), Monitoring (Kassel, 2017), Art Mûr (Berlin, 2018), à la Biennale internationale d’arts numériques (Arsenal, Montréal, 2020) et au Symposium International d’art contemporain (Baie Saint-Paul, 2022).

Marie du Chastel est commissaire d’exposition spécialisée en art numérique et nouveaux médias. Elle est la directrice artistique de KIKK, une association qui explore les croisements entre art, science, nouvelles technologies et société à travers 5 grands projets: le KIKK festival dédié aux cultures numériques, Le Pavillon – centre d’exposition géré par KIKK, le TRAKK le hub créatif – Fab Lab et Médialab de Namur, kingkong magazine en ligne des cultures créatives. Marie est membre de la Commission des arts numériques de la Fédération Wallonie-Bruxelles depuis 2014. En 2020, elle a été élue Femme francophone de l’année 2020 par l’AIMF (l’Association Internationale des Maires Francophones).

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Artpoint (https://www.artpoint.xyz) est une startup impliquée dans la promotion de l’art digital depuis 2019.

 Artpoint a pour mission de soutenir les meilleurs artistes numériques du monde entier et de démocratiser l’accès à l’art en le rendant accessible dans d’autres lieux que des musées. Ceci par le biais d’une solution unique de streaming d’art digital, accessible sur écran dans des lieux de vie tels que des hôtels, des espaces commerciaux ou des bureaux d’entreprise et d’une solution de vente d’œuvres en NFTs. 

Artpoint fédère une communauté de plus de 300 artistes numériques internationaux et a constitué un catalogue de plus de 4 000 œuvres d’art. Ces œuvres vont de la 3D à l’art génératif en passant par la photogrammétrie et sont diffusables directement sur écran dans des lieux qui souhaitent enrichir l’expérience du public et ré-enchanter leurs espaces.